Tócala otra vez, Sam

I hate how white people always try to take credit for something after they discover it. Like it wasn’t happening before they found out about it – which most times is always late, and they didn’t have nothing to do with it happening. Then, they try to take all the credit. […] That kind of dishonest shit makes me sick to my stomach. And when you speak out on it or don’t go along with this racist bullshit, then you become a radical, a black troublemaker. Then they try to cut you out of everything.
Miles Davis, Dorsey, 1997, p. 12

La figura del proxeneta de traje púrpura y sombrero de copa es un esteretipo común de la raza negra en el cine. Pero no es el único. Está también el del criminal callejero o el secundario cómico. Si bien recientemente y gracias al esfuerzo de ciertos actores y directores, la representación del afroamericano en el cine está cambiando, el camino hacia una igualdad es largo y lleno de obstáculos.
En el género musical, los actores negros siempre representan el secundario talentoso que canta o baila con un virtuosismo extraodinario. O si nos referimos al biopic de un músico blanco, en ese caso la figura del negro pasa a ser la del antagonista, personaje soberbio y arrogante que compite con el protagonista.



El argumento es siempre el mismo: Tenemos al joven artista caucásico que intenta abrirse paso en la abarrotada escena musical. Para demostrar su talento, no es suficiente escuchar su pericia de interpretación, hay que contrastarla con la de otros músicos, y es entonces cuando interviene el músico negro. Es una aparición estereotipada condenada desde el principio, sabemos en cuanto lo vemos entrar en escena, que será ridiculizado. La única sorpresa va a ser el cómo.
Es una apropiación de género en la que los verdaderos innovadores en música son relegados al papel de reparto. Quizá sea porque la supremacia blanca no pueda aceptar que alguien sea mejor que ella, o quiza es una adquisición metafórica de algo que, como la música, apasiona y fascina. Así a simple vista, la explicación resulta bastante lógica e inocente, pero en mi opinion esconde no solo una tremenda expresión de poder sino una manipulación indecente de la Historia. Es una justificación rastrera a la ausencia de creaciones blancas.
Para demostrar esta teoría, cuatro ejemplos:

-La leyenda del pianista en el oceano (Giuseppe Tornatore, 1998) El personaje de 1900 posee una habilidad innata para tocar el piano. El virtuoso músico interpreta en su barco, de Puerto en puerto y su fama se extiende tanto que un día, el mismísimo Jelly Roll Morton lo reta en duelo de concierto. Al principio 1900 rechaza entrar en el juego, y adopta una postura no competitiva. Si fuera un partido de tenis, habría tirado todas las bolas fuera de pista a propósito. La razón es simplemente que no lo necesita, que está disfrutando tanto con la música del maestro que ganar o perder es algo secundario, él está por encima de toda competitividad. Hasta que la actitud sobervia del creador del jazz le saca de sus casillas y le da un repaso al piano que casi termina en llamas ante un público boquiabierto. Morton sale del barco humillado.

-Nueva Orleans (Arthur Lubin, 1947) Aqui tenemos la historia de una pobre ingenua cantante de ópera llamada Miralee Smith que un día descubre el jazz y se enamora de tal forma que decide cambiar el rumbo de su carrera para dedicarse a este género. Louis Armstrong, en su papel de malvado se encarga de recordarle que se encuentra en el entorno equivocado, y desde este momento, la película toma un carácter de supervivencia: Se transforma en una reflexion sobre el triunfo personal en un ambiente hostil. Billie Holiday tiene un cameo en la que sería su única incursion en el cine, como sirvienta de Miralee. Y la verdad que dá lástima, con su delantalito cantando con esa melancolía. Lo que queda claro a lo largo de la cinta es que la interpretación de la cantante blanca es superior a la de ésta. Es casi denigrante que a alguien se le haya ocurrido darle ese papel a un talento como el de Holiday, es una burla de mal gusto.

-Great ball of fire (Jim McBride, 1989) Ah, esa bella oda a la pedofilia y al incesto que es Gran bola de fuego. Era otra época, era otra época… No hace falta que narre el argumento, iré al grano: Hay una escena en que Jery Lee Lewis, algo mosca por telonear a Chuck Berry, comienza a tocar para una audiencia que no es suya, pero termina conquistando sus corazoncitos, sobre todo cuando se desmelena y le prende fuego al piano. Después, mira con desprecio a Berry que está plantado en el escenario con expression incrédula y dice algo asi como: “el público es todo tuyo”. Chuck Berry contra Jerry Lee Lewis? De veras es necesaria la comparación? Porque si lo fuera, este ultimo tendría todas las de perder, non?

-8 miles (Curtis Hanson, 2002) Bueno, bueno, aqui tenemos nada más y nada menos que al wiggar Eminem, un ser que nació con un color de piel que no le correspondía. Es un Michael Jackson pero a la inversa, es un madafackr wanna be black. Y como no puede, por falta de recursos o exceso de dignidad, pues los critica. Es como cuando de pequeña me peleaba con los chichos que me gustaban, si no van a ser míos, pues me meto con ellos. Y eso es lo que Eminem hace, los tacha de bullies, de matones. Pero al final, él es mejor rapper.
Y ya esta, tengo mas cosas que decir, pero estoy cansada de escribir y estoy enferma con una gripe viral horrosa. Me piro a la cama.

This is Anvil!

En su último libro, Outliers, Malcolm Gladwell desenmascara el sueño americano. El secreto del éxito está en las horas empleadas en conseguir un objetivo concreto. El mejor ejemplo del libro es Bill Gates. El mastermind de microsoft no se encuentra en esa posición por un golpe de suerte, sino por una combinación de agentes externos familiares, geográficos, culturales, históricos, etc. que le situaron en una posición privilegiada para poder revolucionar el mundo de la informática. Sustituye la teoría del lugar adecuado en el momento adecuado por la de las 10.000 horas de práctica necesarias para llegar a ser experto en una materia, ya sea tocar el piano o jugar al rugby.
Yo me planteaba la validez de esta teoría durante la proyección de la genial Anvil! The story of Anvil! (Sacha Gervasi, 2008), un rockumental sobre un grupo de heavy metal canadiense que tras su álbum Metal on Metal en los 80 se adivinaron las grandes promesas de la escena del cuero. Pero nunca más se supo. A pesar de sus 13 intentos de saltar a la fama con nuevos álbumes y de constantes esfuerzos, ensayos y conciertos con una audiencia cada vez más reducida, el presente es gris para los originales miembros de la banda. A los 50 y trabajando como repartidor de comida en una empresa de catering durante el día Steve, "Lips" continúa su lucha por convencer al mundo de su talento.



Antes que nada, reconozcamos el valor cómico de la figura del heavy. La masculinidad malentendida de pantalones apretados que resaltan miembros viriles junto al exceso y al alcohol, contrasta con las melenas rubias rizadas, más propias de una comunianta. Los movimientos de lenguas, las posturas de agresividad mientras se toca la guitarra, los gestos demoníacos de ceños fruncidos y cuernos contienen un gran valor humorístico. Los creadores de This is Spinal Tap fueron los primeros en darse cuenta y en fundar un movimiento de mofa a lo heavy que dura hasta hoy. Su sombra es tan alargada que sin Spinal Tap no existiría Anvil! Los paralelismos son tan inevitables que en ocasiones resultan forzados: Una gira fallida con una manager inepta que resulta ser la pareja de uno de los miembros. Si ST tocaban para una convención canina, Anvil lo hace en bodas. Si ST se pierden en los pasillos de una sede, Anvil se pierde en las calles de Praga. Si ST tienen amplis que llegan a 11, Anvil graba su útimo álbum a ese mismo volumen. Todo un abanico de referencias que no consiguen por un momento que perdamos el respeto a los miembros de un grupo injustamente fracasado.
Si fueran solo necesarias 10.000 horas de práctica, Anvil estaría en la cima del Olimpo del Heavy metal. Les fallaron otros factores, la ausencia de productores avispados y de discográficas oportunistas en un pais poco interesado en guitarristas que tocan con vibradores. Les falló el apoyo de una familia más interesada en las finanzas que aspiraba que sus hijos se convirtieran en sastres. Les fallaron distribuidores, managers, guitarristas. De algún modo les falló todo menos el ímpetu, de la motivación y las ganas de seguir haciendo música y de vivir de ella.
Tropiezo tras tropiezo, Anvil vive un existencia más accidentada que el rodaje de Lost in La Mancha pero esto no impide que por un momento levante el campamento e inicien la retirada. Con pocos prospectos de victoria, el grupo mantiene un sueño que sólo fuertes pasiones pueden sostener. Y es en este aspecto que Anvil nos recuerda a The Wrestler y no sólo por las escenas rodadas en cocinas industriales. Una reflexión sobre la vida, la muerte, la edad, los sueños. Una historia que me ha hecho reir, me ha hecho llorar, me ha hecho identificarme, me ha hecho desearles lo mejor a Anvil.

Desnudos de terror

El FrightFest londinense se hizo un hueco en el mercado del terror escocés hace ya un par de años durante el Festival de Cine de Glasgow. Trajeados y afeitados, los organizadores emprenden su viaje al norte con sus promesas de camisetas y posters y cargados con una colección de títulos sólidos y de estreno. Producciones oportunistas que a vistas de la popularidad del terror, ofrecen un género sano y aceptable, de los que se puede presentar hasta en las bodas de las mejores familias. Unas películas que puedes ver con tus padres sin sentirte incómodo. Y eso, queridos amantes del terror, es un error. El panorama del miedo está, como la economía, en crisis y lo sé porque durante dos días de género, el único desnudo que he visto ha sido el de una zombie tras ser violada (Deadgirl, Marcel Sarmiento).
Si un día el terror fue el género subversivo de minorías dispuestas a pasar una hora y media disfrutando con sangre y desnudos, el mundo de hoy distribuye comedias con vampiros, fantasmas que aún no han nacido y chicas vírgenes con vaqueros. Una tendencia que contrastada con la moda televisiva de striptease colectivos es cuanto menos sorprendente. Por un lado, películas de terror de chicas flacas Beverly Hills a las que no se les ve más allá del escote, y por otro programas como How to look good naked o simplemente Naked, orientados a la audiencia lectora de publicaciones como Heat, que disfruta viendo fotos de la celulitis de Lindsey Lohan.
Mientras el terror se reforma para acercarse al mainstream y apetecer a audiencias Dan Brown, producciones de sobremesa adoptan y revisten tolerancia de culos y tetas, siempre y cuando tengan la finalidad de la mejora de la seguridad personal. En pelotas si y solo si el objetivo es terapéutico y sirva para aumentar la seguridad personal de los desvestidos. Profesionales del gremio de la enfermería desnudos, gordos desnudos, adictos a las dietas desnudos, y todo un sinfín de personalidades que enseñan sus verguenzas a la cámara a cambio de un poco de aceptación, una aceptación que se empieza a vetar en el cine de terror, porque se interpreta como explotación. La conclusion es que si los pechos son redondeados y apetecibles no pueden ser enseñados, pero culos con sobrepeso pueden aparecer acompañando nuestros cafés de media tarde.
A pesar de esta ausencia de carne, el Frightfest brilló con la proyección de Grace (Paul Solet), un bonito cuento que ha confirmado mi rechazo al embarazo para siempre. También lo hizo con The Unborn, cuando Odette Yustman se paseaba por la pantalla con sus braguitas blancas de algodón.

Yo de mayor quiero ser famoso

La fama es tan fortuita como caprichosa, las masas de aspirantes lo saben bien, el estrellato está a la vuelta de la esquina de ese barrio... que todos desconocen. Puede llegarte por acostarte con el futbolista más apuesto de la selección o por un accidente laboral que te dejó con unas secuelas tan magníficas que The Sun te dedica un reportaje. A mi hoy se me ha ocurrido probar por el camino científico y he venido a trabajar con el peor de los catarros, con la esperanza de que mi virus mute en una especie de amenaza asesina. Quizá algún día se documente y el virus sea denominado con mi nombre, el virus Pussy que acabó con parte de la raza humana. Pero basta ya de parloteo sobre mi salud, yo de lo que de verdad quería hablar hoy es de glamour.
Debería haber comenzado este post con:

"El otro día estuve en una fiesta que contaba con Danny Dyer como uno de los invitados."

De este modo, lo que hubiera conseguido es atraer a la audiencia adecuada para mis reflexiones.
Pero no es verdad.
Lo cierto es que no estuve en una fiesta con Danny Dyer, jamás lo he visto y desconocía su nombre hasta que mi amigo John dijo: "Es el actor que se hace una paja en el baño en Human Traffic". Y aunque he estado debatiendo la posibilidad de contar la historia en primera persona, un ataque de honestidad me ha asaltado. Debe ser el virus.
En cuanto dijo lo de la paja visualicé la cara del actor y sonreí. Claro, el de la paja en el baño!
John se topó con Danny Dyer en un momento determinado del sábado por la noche: "Don't you know who I am?" le preguntó el actor. "No idea", contestó John. "I have a role in Human Traffic". El avispado John cayó en ese momento, "Of course, the guy that has a wank in the toilet!" Comentario al que el actor no respondió con demasiado entusiasmo. Continuaron la noche juntos y terminaron acudiendo a una fiesta en casa de unos conocidos, a las afueras de Edimburgo. Gente de bien, si bien poco interesada en las novedades cinematográficas más allá de qué personalidad en decadencia ha hecho aparición en Strictly come dancing. Vaya, que Danny Dyer bien podía haber Martin Scorsese o Juan García, lo mismo hubiera dado.
El caso es que el actor se pavoneó de un lado a otro del salón, intentó atraer la atenciónn de los invitados proyectando un par de risotadas a elevado volumen y continuó con un comportamiento un tanto frívolo, bromeando para una audiencia más interesanda en qué tipo de droga iban a tomar a continuación que no desentonara demasiado con el color de sus fulares. Muy a pesar de sus esfuerzos, nadie reconocía al secundario actor hasta que alguien preguntó a John: "But who the f*ck is that annoying wanker?"
La siguiente escena me da hasta pena porque debe de ser la pesadilla de todo famoso. A nosotros, ordinarios mortales condenados al anonimato, nos atormenta la idea de organizar una fiesta de cumpleaños a la que no acude nadie. Lo que las celebridades temen es asistir a una fiesta en la que nadie tiene la más remota idea de quién son. Danny se convierte entonces en el blanco de todo índice y entre los murmullos la palabra que más se repite es wanker. Los invitados debieron encontrar en el doble significado una mina de bromas a medida de las circunstancias y se aproximaban para decirle: "Ey! you are the wanker from Human Traffic!"
El final de esta historia es trágico: Plano cenital. Clarooscuro. El actor está rodeado de gente que rie y cuchichea. Está enfadado y grita algo ininteligible. Empuja a un chico bajito y de aspecto geek y sale disparado hasta que queda fuera de campo. Una puerta se cierra de golpe. Alguien con acento de Glasgow pregunta: "Where's the wanker gone?"
Y es que hay que tener cuidado con lo que se desea. Yo por ejemplo no quiero mi fama, reivindico la de John y la de mis gérmenes, pero no la mía. Yo me conformo con morir aquí, en la esquinita, de un virus desconocido y mortal, pero sin molestar.

El sueño del cine

Forma parte de un ritual que comenzó hace mucho, mucho tiempo, cuando la pequeña Pussy despertó un interés por el cine a altas horas de la noche. Como nos referimos a una diminuta, minúscula Pussy, las altas horas de la noche empezaban a las 9. Lo que sucedía después de las 10:30 eran secretos vetados, y la curiosidad hinchó tanto el globo de su imaginación, que ésta explotó esparciendo todo tipo de imposibilidades. Pero antes de que este big bang sucediera, la película de las 9 en punto era sagrada. Aunque agotada tras serios días de sinparares, me tumbaba en el sofá, con la cabeza en el regazo de mi madre mientras la obligaba a rascarme la espalda. Suena un poco extraño, pero todos hacíamos cosas raras de pequeños. Mi amiga Laura, por ejemplo, veía la tele con su hermano escondidos ambos bajo la mesita del café. Las tardes que pasaba en su casa terminaron fastidiándome las cervicales, porque no había espacio suficiente para los tres, pero ellos se empeñaban en agazaparse adoptando incomodísimas posturas. Un día se me ocurrió sugerir el enorme sofá, tan blando, cubierto de cojines de colores que decoraba el comedor, y me miraron como si estuviera fuera de mí.
El caso es que desde el sofá, con la mano de mi madre sobre mi dañada espalda, nunca terminaba de ver las películas. Me mantenía despierta durante la mayor parte de ellas, una hora y poco más. Sin importar la calidad de la cinta, o si la estaba o no disfrutando, antes del final me entregaba a Sandman en cuerpo y alma. En ocasiones luchaba contra el sueño, me proponía mantenerme espabilada y me concentraba en el estado consciente. Pero como si hubiera sido maldecida por el Dios Desenlace, caía en los brazos de la inconsciencia. Otras veces aguantaba hasta los últimos cinco minutos, para fracasada, perder la batalla final contra el destino.
Así que cuando despertaba con los títulos de crédito, le preguntaba a mi madre qué había pasado. Las madres son fantásticas cocineras y compañeras de compras, pero no saben contar películas. Al menos la mía, que parece vivir una realidad alternativa en la que las películas tienen argumentos diferentes, incluso personajes inventados. Preguntarle a mi madre por el final de una peli es un error que se paga con la frustración que sufren muchas parejas, la de irse a la cama insatisfecha.
Cambiemos de escenario, sitúen ahora a una crecidita Pussy, ya con tinte en el pelo y cejas depiladas sobre un sofá, excitada por tener entre sus manos la copia de una peli en dvd que lleva tiempo esperando ver. Vuelvan una hora después y la encontrarán con R.E.M. Sin una madre que me deje boquiabierta, ahora tengo que ver los últimos 30 minutos de cada película al día siguiente, lo que trae varios problemas: Quién recuerda en qué momento cayó dormido? Cuando selecciono escenas en dvd, ni si quiera identifico las que ví estando despierta. Así que me debato durante un rato hasta elegir un punto al azar. Intento concentrarme, acumulo todos los datos que encuentro en mi cerebro sobre la cinta. Pero sin fallar, inmediatamente después de darle al play tengo la sensación de que me he perdido algo, de que hay un detalle básico del guión que no recuerdo.
Es molesto cuando alguien me pregunta: "has visto XXXX?" y contesto: "sí", porque siempre le sigue el comentario: "Qué bueno es el final, eh?" Entonces entramos en el debate en el que tantas veces me he visto envuelta: "si no has visto el final, en realidad, no has visto la película". Claro, pero ver sólo el final de una película, tampoco te dá el derecho de decir que la has visto.
Llegué a pensar que los finales solo existen en las salas de cine. Me convencí de la existencia de un complot organizado por los magnates de ciertos canales de televisión que interrumpen los últimos minutos, emiten ondas valium que nos hipnotizan y nos envian a asesinar a sus enemigos. Al día siguiente no nos acordamos de nada.
Pero también es cierto que durante esa época, tomaba muchas drogas.
Yo no soy de esas que se queja sin fundamento. Tampoco creo que sea yo la única sufridora del síndrome del sinfinal, así que tengo una solución perfecta que va a cambiar la vida de muchas personas. No es una solución así repentina, es fruto de la reflexión de años de sufrimiento y agonía.
Quiero un DVD con la última media hora de todas las películas.
Sólo entonces podré dejar que me rasquen la espalda sin preocuparme por final de ninguna película.

The night Evelyn came out of the grave

Cualquier argumento que amalgame pelirrojas desnudas y crímenes sadomasoquistas merece ser colocado en el podium de este blog. Y La Notte che Evelyn uscì dalla tomba (Emilio Miraglia, 1971) no sólo derrite sensibilidades por estas dos razones. La obligada y tierna misoginia del giallo funciona como parche que repara el goticismo clásico del film. Pero como buen giallo, el guión es un sinvivir de parientes muertos, enfermos mentales y tetas, muchas tetas con alguna novedad sobrenatural.

Impregnadas

Nueve meses de sobrepeso y cambios de humor dan para mucho. La supervivencia de la raza humana depende de ese intervalo y como período de tal responsabilidad, la imaginación (o los temores?) de los protagonistas de la evolución de la ciencia ficción han coincidido en explotarlo. Retorcerlo, combinarlo con otros métodos de reproducción, ridiculizarlo y en definitiva, crear mutaciónes tan radicales que no hay quien lo reconozca. Cualquier parecido con una preñada común es pura coincidencia.
Porque hoy no quiero hablar de mí. Hoy es uno de esos días en los que si pudiera me suplantaba por otra persona, y adoptaría nuevos defectos, que ya estoy harta de megalomanías. Hoy le ha tocado el turno al embarazo.
Tanto víctima de tentativas de control natal, como disfrazada de heroina y guerrera, la embarazada es una figura que siempre representa la esperanza, ya sea para la perduración de la raza humana como para la de marcianos, monstrencos, bichos y demonios. Nada de pechos que se hinchan como globos y son causa de dolores y agonías, nada de varices, estrías, depresiones y apetitos elefantiásicos. Lo que interesan son las vísceras y los bebés deformes. Prohibidas por Hays en su temido código, las embarazadas no tienen la inmunidad de la que goza el niño en el cine, incluso me atrevería a decir que la norma es el sacrificio de la madre, tanto física como ideológicamente.
Como el Dewey Decimal System, con el que trabajo, no distingue categorías de embarazo, he decidido rellenar el vacío. Quién sabe, quizá Mr Dewey tenga a bien incorporarlo en futuras ediciones.

Me acosté con un zombie



Dawn of the dead (George A Romero, 1978)
Si un bebé es la vida, Romero invierte su significado para transformar a la preñada en la portadora de la amenaza humana. Recuerdo una película que ví hace años en la que un pervertido mantenía relaciones con el cadaver de una bella joven. Unos meses después, bebés zombies irrumpen en su casa para asesinarlo. Era una película formada por cuatro historias, todas muy macabras cuyo nombre he olvidado pero que su mención sirva también de ejemplo.

Me acosté con un robot



Demon seed (Donal Cammel, 1977)
Seguro que un robot con la adecuada programación, es un gran padre: C3PO, Roy Batty, Bender. Pero Julie Christie hace un dramón de esto.
Malcriada.

Me acosté con un alien y tuve insectos



Slither (James Gunn, 2006)
Adoro esta peli, que tiene uno de los peores embarazos de la historia, y uno de los mejores partos. Una explosion Big Bang que resulta en una nueva via lactea. Insuperable.

Me acosté con un insecto y tuve larvas



Sick Girl (Lucky McKee Masters of horror, 2006)
Una bella historia de final feliz que da esperanza de procreación biológica a la pareja homosexual. Qué más dá que no sean humanos?

Me acosté con el Diablo y tuve una araña



Pro-life (John Carpenter Masters of horror, 2007)
Aborto sí o aborto no cuando estás embarazada del Diablo? El Maligno, además, las elige jóvenes. Nada peor que la pederastia.

Harry Palmer

My name isn't Harry, but in this business it's hard to remember whether it ever had been. - The Ipcress file, Len Deighton



Cámara a ras de suelo y planos en que el punto de mira está marginalizado en un vértice, asfixiado por la presencia en un primer plano de un hombro o una mesa me hicieron pensar que el cámara era quizá de pequeña estatura. Harry Palmer fue una respuesta realista al agente James Bond protagonizada por mi Michael Caine, un estraperlista del mercado negro berlinés al que se le ofrece la posibilidad de convertirse en espía en lugar de ir a la carcel. Ni siquiera un profesional por vocación, Harry luce enormes gafas de pasta y más que acción, su trabajo se ve enredado por labores burocráticas y no cesa de pedir un aumento de sueldo. Es el espía de la clase obrera, por lo que ninguna de los 3 películas rodadas con el personaje gozaron de popularidad entre los fans del género.
Mientras Gran Bretaña iniciaba una etapa laborista, el argumento de The Ipcress File (Sidney J Furie, 1965) flirtea con las nuevas concepciones acerca de la culturización de las clases trabajadoras y los roles sociales. Ver a Mr Caine cocinar me provoca algún que otro suspiro. También se deja influir por la estética psicodélica, cuando Palmer es torturado, luces, planos y música desbordan distorsión y vanguardia.
Pero ante todo lo que me fascina es el interés por la realidad, esa misma que se convertirá en primordial a lo largo de la historia del cine insular, esa preocupación por desmentir tópicos y glamoures, que conducido por mi Michael resulta más creíble.

Jisatsu saakuru (Suicide Club) - Sion Sono

Una epidemia de suicidios se extiende como el terror a un ataque terrorista en Japón. Comienza con 54 colegialas saltando a las vías del tren y como una plaga, más y más jóvenes se unen a la tendencia. Los adolescentes son solo adolescentes, en sus burbujas de mensajes de texto, i-pods y grupos de pop que idolatrar, un universo paralelo al adulto, con un lenguaje codificado.
A la publicación de Werther de Goethe en 1774 le siguió un elevado número de suicidios de personas que tras leer la tragedia quisieron imitar al personaje: Sentados ante un escritorio y vestidos con abrigo azul y chaleco amarillo, se reventaban los sesos debido a un posible mal de amores. Por esta razón en varios paises se censuró el libro. Admiración o moda, el suicidio como la gripe, se contagia, y al fenómeno se le dió en llamar Efecto Werther. Marilyn Monroe y Kurt Cobain entre otros han motivado la marcha de muchos que deciden dar fin a sus vidas por razones más bien erróneas.
Suicide Club (2002) justifica el paso final con bellos pretextos de conexión con uno mismo y con los demás, una verdad secreta en manos de los jóvenes que permanece al margen del entendimiento de los adultos. La misma incomprensión que sentimos cuando terminamos de ver el film, el mismo vacío.

Dead by Dawn

Un fin de semana no puede ir mal cuando empieza con un puñado de chicos en uniforme combatiendo zombies nazis. Si la misión en cuestión se trata de una producción escocesa rodada en Glasgow, mejor que mejor. Outpost de Steve Barker es una cinta que amalgama diversos géneros, desde el western hasta el terror de monstruos deshidratados desarrollada en un búnker donde se llevaron a cabo varios experimentos humanos. El film antagónico del festival fue Five accross the eyes de Greg Swinson y Ryan Thiessen, donde protagonistas y antagonistas son mujeres que asumen los roles de castrador y castrado. Una película difícil de ver por dos razones, la primera la temblorosa cámara en mano, y la segunda las cinco adolescentes gritando durante la hora y media de duración. Si no fuera porque el film desborda retorcido talento la experiencia sería insostenible, porque quién no se sabe el cuento de las chicas que toman un atajo que resulta ser un calvario?
Del programa aún he de decidir mi película favorita entre la japonesa Death Note (Shusuke Kaneko) y la americana The Mist (Frank Daravont). La pimera, basada en el manga homónimo, es la primera parte de una cinta dividida en dos a lo Kill Bill. Al parecer la segunda parte se proyectará en ICA de Londres durante un par de días en Mayo. Y ya. La historia se centra en un libro de notas en el que las personas cuyos nombres se escriben mueren inmediatamente. La libreta cae en manos de Light, una especie de justiciero, que como Dexter le ajusta las cuentas a criminales y asesinos. Su relación con la muerte evoluciona en proporción a su crueldad, y si por algo me fascina el argumento es por la reflexión sobre el sacrificio de lo que se ama. Las razones por las que me gusta The Mist son bien diferentes, y es que deja un regusto de esperanza sobre el happy ending: Han aprendido los yankees finalmente a descartarlos?
El domingo a medio día, los que resistimos fuimos premiados con The Mother of Tears, la última bazofia entrañable de Argento, de la que si pudiera rescatar algo sería el mono. Imagínense a qué extremos estamos llegando, monos gibraltareños que se deslizan por cuerdas. Si no fuera porque a Asia se le ven las tetas, de la forma que solo un padre podría revelarlas, yo al film le daba un cero, pero como me ha hecho imaginar las cenas de Navidad en la casa de la familia Argento, con un par de impagables escenas, le doy un tres. A la última parte de la trilogía le siguió la última película del maestro Stuart Gordon, Stuck, la carnalización de una mala decisión tras otra que demuestra que no es necesario ser un psicópata para actuar como uno.
Si por algo ha destacado el programa de este año ha sido en mi opinión el apartado de cortometrajes: Criticized de Richard Gale y Side Effect de Liz Adams fueron mis favoritos de la sección Cutting edge. Del resto, Máquina de Gabe Ibáñez me destrozó el poco equilibrio que me quedaba y The Angel de Paul Hough me hizo plantearme volver al Kick boxing. Puppet de Patrick Smith es una animación tierna y se encuentra en Youtube. No se la pierdan.

The killing of Sister George

Alcohólica, grosera y despreciable. June, la actriz que interpreta a Sister George en una serie de TV de la BBC de haz-bien-y-no-mires-a-quién no tiene escrúpulos a la hora de maltratar su entorno de amistades. Su novia Childie es víctima de vejaciones cruentas provocadas por celos, como recitar actos de contrición de rodillas y tragarse la boquilla de un cigarro o ser abusada y golpeada en público. Y a pesar de estos horribles actos, Robert Aldrich consigue que June sea una heroína, el único personaje en el que la audiencia puede simpatizar por su aversion a la mentira en la que el resto parece vivir sumido. Su fidelidad a la realidad se ve sobre todo en las escenas en las que la vemos interpretando a la alegre y bienintencionada Sister George, como si a través de su actuación, de su mentira, redimiese sus faltas, lo que no es suficiente para asegurar su futuro en la serie. El equipo, hasta las narices de su comportamiento, planea matar al personaje con el único propósito de deshacerse de ella.
Las escenas en locales de ambiente y de sexo lésbico provocaron las iras de los sectores pertinentes que llegaron a calificarla de X, lo que dificultó su distribución.
Y mientras, yo, que atravieso una etapa esclavista del exceso bárbaro, me preparo para un fin de semana en cama con una fiebre astronómica. Ustedes que pueden, pásenlo bien.

Watership down

In the afternoon they came unto a land
In which it seemed always afternoon.
All round the coast the languid air did swoon,
Breathing like one that hath a weary dream.

Alfred Tennyson- The lotos-eaters

Despiadado o tierno, esconde un desprecio a la desgana o a la apatía. La ofensa arrebata más que la pura educación y en la provocación germinan las grandes azañas: Qué sé yo, en mi viaje de huida de repente me despierto en pleno barrio rojo de Aberdeen, pero cuando vuelvo a abrir los ojos estoy en Glasgow, envuelta en un ajuste de cuentas de mafias del este. Palabras tan mayores que se me olvidan las pequeñeces diarias y en pleno tornado no es momento de pensar en una dieta sana.



Absorta como si la misión fuera una cuestión de vida o muerte, apenas me queda tiempo para recapacitar, los dragones no me dejan un instante y ni en la tierra de la tiza hay cobijo, El-ahrairah así lo diseñó seguro de que apenas me quedan energías para oponerme. Esta vez, las visiones de final fueron tan reales que estimularon el despegue, pero enferma y agotada, solo me queda resguardarme en la fábula cuyo nombre desmaya antes de ser pronunciado, Watership down (Martin Rosen, 1978, basado en la novela de Richard Adams).
La Odisea a la inversa, los conejos no quieren volver al hogar sino que buscan uno en los bajos ingleses, amenazados por la mixomatosis, el poder y la religión. Un relato tan fascinante como alguno de sus fans, repleto de escenas cruentas que de haberlas visto de niña, el trauma perduraría para siempre.
Youtube recoge la cinta de animación en diez videos, aqui el primero:

Porque te vas

Bailan?

Axe

Ciertas técnicas de defensa personal utilizan el momento físico en el que nos sentimos amenazados. Ante cualquier ataque, nuestro organismo aumenta los niveles de adrenalina, y con éstos índices por encima de lo normal somos más veloces, más precisos, más fuertes. De alguna forma, el miedo exprime los recursos de nuestro cuerpo, ofreciéndonos la posibilidad de convertirnos casi en superhombres. Controlando el miedo, éste puede asociarse como aliado ya que seremos capaces de realizar habilidades que en otro momento nos resultarían imposibles.
Otras veces, ante una situación de peligro simplemente damos rienda suelta a la parte oscura y violenta, hacemos realidad fantasías violentas que se quedaron enmarañadas en las redes de la civilización.



Hechos recientes me llevan a plantearme estas cuestiones sobre la seguridad personal, y entre tanta reflexión he recordado el genial film Axe (aka Lisa Lisa, aka The Virgen Slaughter, Frederick R. Friedel, 1977). Lisa, una niña que se dedica a cuidar de su padre paralítico en una inmensa casa rural vé su vida amenazada ante la llegada de tres gangsters que buscan refugio. Tras ser violada por dos de ellos, Lisa dá rienda suelta a su insana mente y a su peculiar concepto de venganza asesinando a sus agresores.
Sus crímenes son toscos, torpes, sin el cuidado de la premeditación y el plan, porque como niña, Lisa no ha adquirido la buena educación del disimulo y el encubrimiento. Esa maldad es estado puro, sin filtros sociales ni arrepentimientos, estremece especialmente cuando se nos descubre que las mismas artimañas de tortura son empleadas con su padre enfermo, al que obliga a beber la sangre de los maleantes.
Una retorcida prefiguración de Hard Candy, con la figura de la niña inocente como origen del terror. Lo impactante del film es que la candidez convertida en crimen no es una representación usual. Si matar un niño frente a una cámara no está permitido, transformarlos en villanos amenazantes, tampoco. En la imagen de la virginal inocencia no puede existir la maldad, porque qué nos queda entonces? La adrenalina?

Fotografias: Los dobles corporales

La invención de Morel es una cámara proyectora. Tras grabar los movimientos de ciertas personas durante siete días, los reproducirá repetidamente, semana tras semana hasta la eternidad. Una cámara que proporciona la eternidad y la arrebata a la vez, una trampa para el ojo humano. Enamorarse de uno de los personajes es como enamorarse de una fotografía antigua: El retratado es inalcanzable, la muerte se apoderó de él antes que nosotros hubieramos si quiera nacido. Podremos trucar la tecnología, pero la trampa solo será efectiva en el caso de la presencia de un espectador mortal.
Las cámaras, ya sean de vídeo o de fotografía reproducen una imagen idéntica que no somos nosotros, elaboran un doble corporal que viene a ser la obsesión de mi vida.
Recuerdo una madrugada de hará unos 15 años. Canal 9 pasaba cortometrajes nacionales y yo me quedaba despierta para verlos cada noche. Uno de ellos me causó una gran impresion, seguro que les sonará el argumento: Un chico intenta decidirse entre los títulos de las películas de un videoclub cuando le llama la atención una carátula negra con el diseño un ojo en el centro. Lee la contraportada y decide alquilarla. Cuando llega a casa, hace un pedido telefónico de pizza para llevar y se tira en el sofa a ver el video. La primera imagen es la de él mismo, tirado en el sofa, como si en lugar de una televisión, estuviera frente a un espejo. Al principio le parece un juego, se rie y gesticula extrañamente para comprobar si su imagen le sigue las payasadas. Después, decide darle al botón fast forward, y este gesto le llevará a ser testigo de su propia muerte que veremos reproducida un momento después. En la última secuencia del corto volvemos al videoclub, en el que sobre una de las estanterías reaparece la carátula del ojo.
Aquello de que cada vez que alguien nos fotografía nos roba el alma, me hace pensar en el ritual budista de la figurilla que representa la víctima de algún hechizo. No me consta la relación, pero justificaría los dos casos anteriores. Lo que es cierto es que la presencia de una cámara no es un buen presagio, augura desgracias:


Road to perdition (Sam Mendes, 2002) toma prestado de Peeping Tom (Michael Powell, 1960) la figura del asesino que graba a sus víctimas mientras mueren, atrapando así su ultimo suspiro. Como las brujas que precisan de la sangre de bellas jóvenes para preserver su inmortalidad, estos personajes cazan la muerte para apoderarse de vidas a través de las imágenes fotográficas.



Intacto (Juan Carlos Fresnadillo, 2001): En realidad, una historia sobre el tráfico de almas, de suertes o de protección. Si quien se apuesta el retrato pierde, toda una serie de desgracias sucederán en la vida del fotografiado.



Shutter (Banjong Pisanthanakun, 2004): Nos encontramos en terreno fantasmagórico: Shutter es una historia de fantasmas que no perdonan a los que los torturaron en vida. Este en concreto, atormenta a los malditos a través de fotografías, y de las visiones de la tradicional representación iconográfica fantasmagórica de chica de pelo largo y negro. Una de mis escenas favoritas es cuando el protagonista descubre a través de un retrato que todo el tiempo, el fantasma le acompañaba subida a sus hombros.



La habitación del niño (de la Iglesia, 2006): En este genial telefilme de de la Iglesia, el desencadenante de las escenas más escalofriantes que he visto en mucho tiempo es la cámara de video que la pareja de recién casados coloca en la habitación del niño. No desvelaré el final porque me parece una peli de visioneado obligado, solo dire que incluye casas encantadas, desdoblamientos y Eleonor Watling desnuda.



La profecía (Richar Doner, 1976): Son aquellas escenas rodadas bajo la luz roja del estudio las que más recuerdo, cuando el papel bajo el líquido se va convirtiendo en una imagen nítida y aparecen las manchas. La nanny tiene una soga que le rodea el cuello, y el cura ua enorme estaca que prefigurará su muerte, atravesado por una cruz de iglesia.



Arrebato (Ivan Zulueta, 1980): O las cámaras-vampiro como en La invención de Morel. Como el Diablo con Fausto, les dan la eternidad, a un precio mortal.

El destino del Fuhrer: Hitler está vivo

En El séptimo secreto de Irving Wallace a través de la pintura de un paisaje se descubre que el que murió la noche del 30 de Abril de 1945, fue un doble de Hitler. El verdadero, vivió recluído hasta su muerte durante los 80, dedicando sus días a pintar y a leer en un pequeño apartamento de la capital alemana. Las características demoníaco macabras del personaje y las extrañas circunstancias de su muerte, han despertado el temor de muchos autores sobre un retorno o una no-muerte que ni el mismo Elvis Presley. Su figura se ha convertido en la de un villano recurrente, que como Magneto, pretende dominar el mundo. En cine ha sido bastante recurrente el tema del doble, tanto en la comedia como en el cine de conspiración. En un episodio de Hogan's Heroes, llamado Will the real Adolf Hitler please stand up?, Carter suplanta al dictador con el fín de filtrar documantación nazi a los aliados. Incluso Bugs Bunny se disfrazó del mismo. Por otro lado, en el drama The strange death of Adolf Hitler, la Gestapo retiene a un actor imitador del fuhrer y lo transforma en un body double, un gesto que la esposa no encaja muy bien...
El miedo a un regreso del mismo diablo ha sido especialmente imaginativo en el terreno de la ciencia ficción. Aquí algunos ejemplos de los descabellados sinos que Hitler ha sufrido:



Eagle's Nest - The new avengers (Desmond Davies, 1976): El primer episodio del retorno de los Avengers es en mi opinión el mejor. Steed, Purdy y Gambit se enfrentan a unos monjes recluídos en una isla Escocesa (En realidad, el famoso castillo Eilea Donan) que resultan ser nazis a la espera del avance médico que les permita reanimar el congelado cuerpo de Hitler. O como ellos, llaman, Germany's greatest treasure. Peter Cushing da vida al doctor que desarrolla la fórmula de re-animación, es, Re-animator. Me gustó especialmente el arma que los monjes-nazis utilizan para luchar, cañas de pescar con anzuelos envenenados.

Souvenir - The New Professionals (Ray Austin, 1999): Otra segunda parte, esta serie supuso un intento de revivir The Professionals de los 70. En este caso, un grupo de nazis pretenden clonar a Hitler a partir de uno de sus dedos. C15 investigarán y...



The boys from Brazil (Franklin J. Schaffner, 1978): No soy la única enamorada de esta película (con todos esos niños rubitos), el remake se estrenará en 2009. En este caso, el plan de revivir al malévolo dictador consiste en la eugenesia (spoilers). El argumento está inspirado en los experimentos del Dr Mengeles, clones de Hitler educados en ambientes similares a los que él vivió hasta dar con el idóneo que reconstruya el Reich.

They saved Hitler's brain (David Bradley, 1963): Este es sólo uno de los argumentos basados en la preservación del cerebro de Hitler, como su propio título indica: más claro, agua. Un nazi enloquecido huye a una isla tropical mientras espera el momento adecuado de transplantarlo. Durante los 60, rapta a un científico para sus fines, pero ciertas agencias de espionaje averiguan los propósitos y comienza el terror.


Son of Hitler (Rodney Amateau, 1978): El cuarto Reich será traido por el hijo del dictador, que vive bajo otra identidad en una institución nazi recóndita. Peter Cushing será el fanático diseñador del maquiavélico plan para dominar el mundo en esta comedia... flojita.



Flesh Feast (Brad F Grinter, 1970): Un argumento insuperable con gusanos como elementos de rejuvenecimiento. Cuando el Dr. Elaine Frederick descubre las propiedades remozantes de ciertos gusanos, sus primeros clientes resultan ser un grupo de nazis que cuentan con un anciano amiguito especial... adivinen quién.

Top 25

La lista de mis películas favoritas es infinita: Arrebato, The tenant, Chinatown, The Warriors, Wild Bunch, Videodrome, Raging Bull, The shinning, Scarface, The invasion of the body snatchers, Fitzcarraldo, Aguirre, Once upon a time on the west, El desencanto, Nosferatu... que alguien me frene!! The Searchers, Double indemnity, Sunset Boulevard, Sweet smell of success, The woman in the window, Rope, The big sleep, Dumbo, The long goodbye... Y podría seguir, pero se me ha ocurrido tomar el testigo que Aura me pasa para crear un post-guía de los films que he comentado en este blog, que no dejan de ser también favoritos:

Stagefright

Theatre of blood

Demon seed

Female Prisioner Scorpion # Jailhouse 41

Vengeance is mine

Punishment park

Django Kill

Shock corridor

Repo man

Les yeux sans visage

Uzumaki

Liquid sky

Possession

Carnival of souls

This is Spinal tap

Bad Timing

Le cercle rouge

Bara no soretsu

Santa Sangre

Get Carter

Onibaba

Martin

Pepping tom

School of the Holy Beast

The haunting

La caza

La mitad salvaje: El doble gótico

Pero el peor enemigo con que puedes siempre encontrarte serás tú mismo; tú mismo te acechas en las cavernas y en los bosques - Nietzsche

Tanto la Bella y la Bestia como el cuento del príncipe rana recogen el tema de la transformación por encantamiento en personajes animalescos que mantienen el alma humana. Al ser utilizados didácticamente, el mensaje es de salvación y todo concluye felizmente.
Otros no tienen tanta suerte, y sólo la muerte puede librarse de sus dobles maléficos.
Esta es la segunda entrega prometida del post El mellizo interior. El doble es en este caso la metamorfosis tanto animal como vegetal o inanimada en la que la naturaleza humana se ve suplantada por la sensibilidad indómita y amenazadora. Se trata de nuevo de la fiera interior apoderándose hasta de nuestro físico. Los motivos son varios, es posible que hayan caído en un encantamiento o hayan sido víctimas de una maldición, que su sangre haya entrado en contacto con la de algún afectado o simplemente, un error científico.

Transformación en animal:

La teriantropía el la transformación en animal siendo la encarnación más conocida la licantropía, aunque hay otros tipos como la cinantropía (en perro), los hombres hiena de Africa o los leopardo de la India.
Ejemplos de películas sobre el hombre lobo hay a patadas, yo diría que es una de las figuras más representadas. Existen ciertas constantes en cuanto a los efectos que conlleva la transformación concierne, por ejemplo en un principio el afectado ven acentuadas sus cualidades físicas, el sentido del olfato, del oído, el potencial sexual. El licántropo como humano despierta su seguridad personal, su confianza y potencial mientras el monstruo vive dentro.
La década de los 80 supuso un renacer de la figura lobezna muy influenciada por I was a teenage werewolf, aquí solo un manojito:

An american werewolf in London (John Landis, 1981) Todo un clásico y una de mis películas de la infancia, creo que es la causante de mi pasión por el género y mi amor por Naughton. Llegaba a desear un novio lobo, imagínense. Mucho se ha hablado de la conversión como la más lograda. Juzguen ustedes.



Dog Soldiers (Neil Marshall, 2002) Desarrollada en zonas inhóspitas escocesas, la segunda peli de Neil Marshal supone una bella revisión antimilitarista del tema del hombre lobo. El presupuesto no debió de ser astronómico porque las transformaciones suceden fuera de plano.



Dr Jekyll y el hombre lobo (Paul Naschy, 1972) No se puede hablar de licantropía sin mencionar a Paul Naschy y a su personaje Waldemar Daninsky. De todos los títulos lobos que Naschy dirigió, elijo este sexto por el enfrentamiento de dos dobles: Jekyll y Hyde contra Daninsky y el bello lobo, quién dá más?

In company of wolves (Neil Jordan, 1984) Basada en la novela de Angela Carter que mezcla la fábula de Caperucita con el mito del hombre lobo, en esta película nos encontramos ante dos tipos de metamorfosis, una por encantamiento en la que los invitados a un banquete se transforman en lobos y otra, fascinante por su anomalía, en la que el animal sale de dentro del cuerpo.



The howling (Joe Dnate, 1981) Joe Dante en su mejor momento nos regaló esta cinta que cuenta con una de las mejores transformaciones jamás rodadas. Cuando veo cómo le crece el hocico llegan a dolerme los pómulos.
En este caso, el personaje es contagiado de lobismo por mantener relaciones sexuales (en la playa, junto a la hoguera...) con una de ellos, como si se tratase de una enfermedad sexual. Estupendo.

Teen Wolf (Rob Daniel, 1985) Qué gran género este de la comedia de terror con estudiantes de los 80. Teen Wolf es en realidad una película sobre la adolescencia y los cambios ormonales que conlleva que utiliza la figura del licántropo para hablar de la aceptación. Michael J Fox fue probablemente el responsable de que la película no fuera directamente al vídeo. Aquí, su transfiguración en el baño.



Fright night (Tom Holland, 1985) No he vuelto a ver esta película, pero recuerdo que uno de los personajes, Evil Ed, muere como Hombre Lobo para resucitar como vampiro. Qué exceso!

Otras faunas:



Cat people (Jacques Tourneur, 1942) Una antigua maldición transforma a la serbia Irena Dubrovna Reed en felina al primer beso. Un argumento lleno de referencias a la pérdida de la virginidad, la monogamia y los celos que fue revisado por Paul Schrader en 1982 con Kinski convirtiéndose en pantera. Ambas, estupendas.



Sick girl (Lucky Mckee, 2006) Mi favorita de las series Masters of Horrors, en Sick girl presenciamos la transformación de humano a insecto con implicaciones personales groseras y pérfidas pero con un bello "final feliz".
El episodio de John Landis para la misma serie, Deer Woman, también incluye un híbrido mujer-ciervo.



The Fly (Kurt Neumann, 1958) Y Vincent Price también puede hacer de bueno... Aunque yo lo prefiero como villano. Reitero lo anterior, tanto esta original como el remake de Cronenberg me parecen estupendos, pero ví primero esta y me aterrorizó como nada esta mosca encapuchada. Porque seamos sinceros, la mosca de Goldblum es más similar a Golum que a un insecto, lo que no quita el logro que supone la pérdida de partes corporales de la última escena. Exquisito!



Wasp woman (Roger Corman, 1960) El deseo de la eterna juventud tiene su propia maldición. Nadie sale intacto de una obsesión por la belleza, y aunque el experimento a priori funciona (la actriz aparece en escena con más maquillaje, un peinado diferente y tetas postizas), los efectos secundarios y la consecuente transformación en avispa, es destructiva.



The reptile (John Gilling, 1966) Un tradicional argumento centrado en una pareja de recién llegados a un nuevo domicilio. Rodada en los mismos escenarios que The plague of the zombies, El reptil es una producción Hammer (spoiler) con hombres serpiente.



Freaks (Tod Browning, 1932) Incluyo este título sólo por la última escena en la que tras ver a los monstruos atacar a la rubita, la vemos transformada en gallina.

Transformación en cosa:



Tetsuo (Shinya Tsukamoto, 1989) El fetichista del metal disfruta insertando piezas en su cuerpo es atropellado por un salaryman que pronto comienza a experimentar transformaciones ciberpunks. Una obra maestra.

Transformación en planta:

No he querido incluir invasores marcianos que o bien utilizan las plantas para dominarnos o son en apariencia arbustos antropomórficos porque eso es pura estética, nada relacionado con la figura del doble.

Matango (Hinoshiro Honda, 1963) O el ataque de los hombres-champiñón. No me quiero repetir, esta peli la comenté el año pasado.



Mutations (Jack Cardiff, 1974) Un profesor que trata de ser Dios, como tantos otros. Al igual que Frankenstein, Nolter pretende crear vida a partir del injerto humano y floral. De ahí no puede salir nada bueno.

Attack of the killer tomatoes (John de Bello, 1978) En este caso la transformación es a la inversa, de vegetal a humano agresivo. Un clásico.

La caza - Carlos Saura

Me gusta repetir que hay que adoptar la mirada de turista en la ciudad que habitamos. Despertarse cada mañana y pasearla como si fueramos nuevos a ella, porque solo asi descubriremos cosas nuevas, pequeños detalles en los que no habíamos reparado.
Con el cine ocurre lo mismo, disfruto revisando películas pretendiendo que nunca he estado frente a una pantalla antes, desprendiendo las imágenes de mis conocimientos previos, rescatando la virginidad en mis ojos.
Desde este punto de vista, La Caza (1965) es una sonora y dolorosa bofetada inesperada, un impacto cruel y amargo que deja secuelas indefinidas.
La simbología del film roza el peor de todos los terrores, el humano de la incomprensión, del abuso de poder, del egoísmo, del odio, del crímen, de la hipocresía, de la sospecha.
El asesinato de los hurones lo tengo grabado a fuego, tan intencionado, tan gratuitamente cruel que prefigura la caza última, la del hombre. Es casi tan poderoso como el cadáver del maqui escondido en la cueva, como la misma España guardaba en la recámara miles de crímenes de guerra. No es casual tampoco que los conejos contra los que disparan son mullidos, están tan enfermos como los personajes en sí(«Llegará un día en que los conejos se coman al género humano nos invadirán y formaran una nueva civilizaciones y como son mas pequeños que nosotros habrá lugar para todos y la lucha de clases desaparecerá y no habrá mas envidia y así se arreglara el mundo. Pero antes sostendrán una gran guerra con las ratas.»)
La película triunfa en tantos ámbitos que hablar sólo de lo metafórico se queda cojo, y no mencionar la aportación del genial Luis de Pablo en banda sonora, podría envenenarme.
Pero lo más inquietante es que sin conocer la historia de España, sin saber nada de todo esto, esta producción hiela y aterroriza como sólo la miseria humana puede hacerlo.

El mellizo interior

"Está en mí: En los pasajes anteriores, el pecado es personificado como un amo respecto de sus esclavos; aquí es como una fuerza maligna que vive en el ser humano y que desata una lucha contra el espíritu"-Romanos 7:20

Planeo ir al gimnasio y termino borracha en el pub, cargando la mochila con la ropa deportiva intacta. Necesito ahorrar para un nuevo stereo, pero termino gastándome hasta la calderilla en discos y más discos. Una dieta saludable y organizada me vendría de maravilla, pero me pongo hasta las cejas de chocolate, por no hablar del vicio de las papas. Debería retomar las clases de italiano, pero ando demasiado ocupada bajándome música o viendo la tele. Está claro que la vencedora de mis luchas internas es mi parte más abominable: Lo sé, por eso la mayor parte de las veces no pongo resistencia. Cada cual carga con su cruz y armoniza los mensajes internos contradictorios lo mejor que puede.
Después de esta confesión irrelevante, comenzaré de pleno con la cuestión fundamental, no sin antes presentar mis fuentes de inspiración; es de bien nacidos ser agradecido. Intrincadas conexiones mentales, afectadas y depravadas por años de maltratos neuronales me llevan a establecer conclusiones disparatadas, de las que yo soy la primera sorprendida. Todo comenzó con el impacto del post de la prolífica Estrellita Mutante dedicó a la Nueva carne y el posthumanismo. La escasa sensibilidad que se resiste en mi corazoncito se vió severamente agitada por los relatos de mutilaciones y agresiones físicas. Pero no les cuento más, van y lo leen, porque vale la pena. Después de este revés, Aura le dedica un post a lo que da en llamar El hombre unicornio, el caso de un afectado de una extraña condición genética en la que se desarrollan protuberancias en la piel.
Todo lo relacionado con las mutaciones y deformaciones físicas, tanto genéticas como provocadas me fascina en la misma medida que me repugna. El cuerpo humano, víctima de todo tipo de transformaciones, protesis, amputaciones, metamorfosis, doppelgangers, desdoblamientos y clonaciones ha sido un tema que en la escala de prioridades de mis pensamientos, he reservado el Olimpo.
El género de la ciencia ficción le ha sabido sacar el mejor partido a las extravagancias corporales. Nuestro organismo cobrando voluntad propia y manifestándose como un ente al margen de nosotros, es un perfecto símil con el que expresar temores y traumas. Nada como un buen doppelganger con el que dotar a una obra de complejidad y introspección. Los hay de toda clase, forma y tamaño, ante tal variedad, no he resistido la tentación inherente a una catalogadora de profesión de clasificar el género: El resultado es de discutible rigurosidad, pero este fallo es intrínseco a cualquier método de clasificación que utilicemos, con lo que resulta tan válido como cualquier otro.
Dejaré para otro post las transformaciones en mosca, en licántropo o en gato que pensé incluir en un principio pero que con la excusa del extracurro, me quito.

Gemelos icónicos: El miedo X 2

El fenómeno de la repetición, obedece a una simple operación matemática, si 1 da miedo, 2 dobla la sensación. Hay algo de mórbido en los gemelos idénticos que a priori se concreta en la inseguridad que crea no poder distinguirlos. Asumido este temor, hay que atravesar la fase de aprender a diferenciar su carácter, sus peculiaridades. Esto, claro, sucede en el caso de que los gemelos realmente se traten de dos personas independientes. Porque no siempre es así:

La ciudad de los niños perdidos (Caro & Jeunnet, 1995): Las gemelas siamesas The Octopus de voz metálica no son dos personajes, es uno solo de maldad duplicada y más parecen una figura alegórica. Al igual que los clones de Klank.



El resplandor (Stanley Kubrick, 1980): Las niñas ocuparon el primer puesto en un listado de las representaciones más terroríficas que Channel 4 llevó a cabo el año pasado. Con una niña yo hubiera tenido suficientes pesadillas. No hay nada que las distinga, no se trata de personalidades porque en realidad se trata solo de un icono, una imagen. Kubrick se encargó de que no volviéramos a mirar a las gemelas de la misma forma.

Conviviendo con su enemigo

Otras veces, coexisten con más o menos armonía dos organismos en un cuerpo indivisible, un hermano interno.



Desafio Total (Paul Verhoeven, 1990): El lider de los mutantes, Kuato, cuenta con un habitante estomacal, que si me lo permiten, me recordó a Jordi Pujol.



Imprint (Takeshi Miike, 2006): El personaje femenino posee una hermanita pequeña en forma de mano que reside en la parte occipital de su cráneo. Si no existiera Miike, entonces tendríamos que inventarlo, y eso es un faenón.

La mitad oscura (George A Romero, 1993): Un renombrado escritor pasó por quirófano para que se le extirpase un hermano gemelo deformado, que por complicaciones durante el embarazo, había crecido en su cerebro. Pero la operación no fue exitosa del todo, y ahora le toca convivir con un alter ego, que cuenta con uno de los mejores nombres que he oido: George Stark.

Gemelos identicos: Géminis

Si antes hablábamos de gemelos que son en realidad uno, aquí hablamos de dos seres independientes pero desdoblados, son casos de yin-yang, de enfrentamientos entre una parte "heroica" y otra "villana", como Jekyll y Hide o Caín y Abel. Ambas partes entrarán en conflicto y solo una de ellas o ninguna puede salir victoriosa.



Sisters (Brian de Palma, 1973): Cosas que pasan, de repente, te enteras de que tienes una hermana gemela. No solo eso, resulta que se trata de una asesina y se te culpa a tí de sus muertes. Tough luck!



Inseparables (David Cronenberg, 1988): Sé gracias al genial libro "Las diez caras del miedo" de Rubén Lardín, que en una de las escenas cortadas, uno de los gemelos tenía un sueño en el que le salía del estómago una especie de alien. No se llegó a incluir por razones que se me escapan, porque la imagen es provocativa y espectacular y explica como nada la dualidad compartida, como ambos forman parte del otro.

The other (Robert Mulligan, 1972): Niño bueno-niño malo en un juego de crímenes.

The prestige (Christopher Nollan, 2006): Y a quien no haya visto la película, le acabo de joder el final. Recordad: Hay gemelos.

Gemelos no tan identicos (Doppelganger)

Según mitología alemana, ver a nuestro sosía es un presagio de muerte, es un omen que te advierte un trágico destino. Según otras tradiciones, el doble puede adoptar formas de animales, personajes de sexo indefinido o de aspecto antónimo.



God told me to (Larry Cohen, 1976): No he dejado de hablar maravillas de esta película desde que la ví. El policía Peter Nicholas (Tony Lo Bianco) investiga asesinatos fortuitos llevados a cabo por ciudadanos cabales que de pronto perdieron la razón y aseguraron que:"Dios les incitó a hacerlo". De ahí, pasamos a un thriller religioso que muta en una invasión marciana con el personaje del policía cada vez más involucrado en la trama.
Concebido por obra y gracia del Espíritu Santo, Peter se enfrenta a su hermano luminoso sin pecado original, que no es más que una versión extraterrestre de él mismo y que cuenta con una vagina en las costillas.

Dagon (Stuart Gordon, 2001): Saben ustedes esa de Stuart Gordon, que va a España y va y adapta una de Lovecraft, y va y a Raquel Meroño se le ven las tetas? Pues aquí estamos ante un doble de sexo opuesto y de atributos marinos. Y el incesto, no olviden el incesto bendito.



Arrebato (Ivan Zulueta, 1980): Jose: "No soy yo a quien le gusta el cine. Es al cine al que le gusto yo." versus Pedro: “Las agonías que son se originan en los éxtasis que pudieron haber sido” y su búsqueda de la pausa, su pasión por el cine, su anhelo de formar parte de él. Las dos caras de la moneda.

Ghost dog (Jim Jarmush, 1999): Haced memoria. En la última secuencia, y a ritmo de Wu Tang Clan, cuando Forrest está moribundo, un enorme perro se le aproxima y lo mira.

Clonación infernal

La suplantación es otra variante de la teoria del doble, que si bien su incorporación no augura la muerte, es la constatación de ella.

La invasión de los ladrones de cuerpos (Philip Kaufman, 1978): Alegoría sobre una sociedad homogenea, en la que nuestros dobles están desensibilizados, individuos inexpresivos. Los invasores están aquí. No se duerman.



Society (Brian Yuzna, 1989): Aquí son las clases altas las que actúan raro, practican incesto y organizan orgías multitudinarias. Los ricos pertenecen a una especie no-humana que se alimenta de nosotros, así es que si es invitado a una fiesta de gente pudiente, diga NO.



Slither (James Gunn, 2006): El invasor marciano, en forma de gusano penetra en el cuerpo y se instala en el cerebro, convirtiendo al afectado en una mezcla de zombie-alien agresivo. Si no la han visto, corran al videoclub más cercano (ejem...), es un imprescindible homenaje a la serie B.

Desdoblamiento de personalidad: Síndrome del doble subjetivo

Aquí uno de mis favoritos, un registro del que desgraciadamente se está abusando en recientes producciones. El Syndrome of subjective double es la ilusión de un doble de diferentes atributos físicos y con una vida independiente a la del enfermo. Esta despersonalización se ha utilizado en el terror para proyectar dobles que harán todo lo que ellos no se atreven a hacer. Relacionado con el síndrome de personalidad múltiple, los enfermos proyectan su lado homicida.
*Spoilers*



Alta tensión (Alexandre Aja, 2003): Un alter ego en forma de hombre sudoroso, gordo y malvestido. Un poco de glamour, por favor!

Nunca hables con extraños (Peter Hall, 1995): Sin comentarios.

Primal fear (Gregory Hoblit, 1996): Sin comentarios.



Sesión 9 (Brad Anderson, 2001): Desarrollada en un asilo de enfermos mentales que dá más miedo que la trama en sí, el caserón es un personaje tan villano como el asesino.

El Maquinista (Brad Andersen, 2004): Un traumado Christian Bale entra en una espiral de paranoia que concluye exactamente como la previa película del director, arriba comentada. Así me gustan los hombres, innovadores!

Fight Club (David Fincher, 1999): Se ha dicho tanto que me dá pereza...



American psycho (Mary Harron, 2000): Esta peli la traigo a esta sección porque se trata de este fenómeno, pero a la inversa. Un doble interior que hace lo que no se atreve... en el terreno de la imaginación.